Bio - EN
Sebastian Klug (* 1981 in Munich) is a photographer and visual artist based in Berlin. His practice spans between photography, sculptures and installations. He started using photography whilst studying architecture, documenting his view on Berlin's vibrant night life with a Nokia 6300 mobile phone camera in low light levels. The atmospheric visual diary that mixes the grain, noise and strange colors of his phone’s pictures with that of his nocturnal encounters was chosen as a highlight at the European Month of Photography Festival in Berlin in 2010 and shown across venues in various cities including Venice, London, Istanbul, Copenhagen and Helsinki.
As a trained architect, he seeks to combine his passion for photography with that for spatial thinking. He started working on a series of woven objects by cutting and interweaving two prints of a photograph in 2012. These hybrid compositions emphasize the material qualities of the image carrier and play with optical distortions. Manually produced pixels, the three dimensional structure and haptic features of the applied materials form an indivisible, multi-sensory entity. Through experimenting with a range of techniques, formats and materials, his work gains more and more sculptural qualities and develops continuously into space. In 2021 he is invited by MUCA Munich to create an immersive, site specific installation for KUNSTLABOR 2. In the result, a wave-like all-enclosing structure of photo strips in deep blue form a unique environment and recall underwater-cave formations or space photography.
Following this new experience, Klug shifted his focus from the production of wall pieces towards the creation of fully immersive installations and environments. He experiments with moving installations, free-standing sculptures and walk-in spaces that re-bond with his desire to create spatial experiences. In a parallel movement, he begins to use images from research on specific topics. Using imagery from social media about body transformation for the free shaped "Skinny Guys" - series opens a conceptual frame of reference. While cutting and stapling are technical analogies to cosmetic surgery, the idea of the free malleability of our bodies is transferred into the meandering coils of the found images that have become physical working material. By cutting off parts of images in which SUVs are staged as lifestyle objects in front of wild nature, he finds the sculptural form of the kinetic installation "Schöne Welt". In the walk-in installation "Fuji San" it is the famous Japanese mountain that, by cutting off parts of the images, is transformed into a hollow space, while random and kitschy elements of the photographs posted online by tourists are at center of the work.
His recent works have been shown at Freundeskreis Willy-Brandt-Haus in Berlin, Photoszene Festival Cologne, Artspace Bremerhaven, Feel Festival and Schlosskirche Rumpenheim. He has been featured as "Artist Quarterly" at Sotheby's Munich in 2019, was nominated for "Preis der Nationalgalerie" in 2021 and is awarded with "Rumpenheimer Kunstpreis DIANA" in 2023.
DE
Sebastian Klug (*1981 in München) ist bildender Künstler und Fotograf in Berlin. Seine Arbeit bewegt sich zwischen Fotografie, Skulptur, Papierarbeit und Installation. Schon während seines Architekturstudiums (Diplom 2010) beginnt er seine Streifzüge und Begegnungen im Berliner Nachtleben mit einer Nokia 6300-Handykamera zu dokumentieren. Die von starkem Bildrauschen und Kontrasten geprägten Aufnahmen fangen die Sehnsucht nach Auflösung seiner Protagonisten und seiner selbst kongenial ein und bilden ein atmosphärisch dichtes, visuelles Tagebuch. Die erste umfangreiche Ausstellung der Serie auf dem Monat der Fotografie Berlin 2010 wird zu einem Highlight des Festivals gewählt, weitere, europaweite Ausstellungen und Publikationen folgen.
Im Rückgriff auf die Praxis seines Studiums beginnt Klug mit den Drucken der Fotografien zu experimentieren und das Fotopapier als Ausgangsmaterial für skulpturale und räumliche Transformationen zu begreifen. Durch das Schneiden und Verweben mehrerer Drucke eines Bilds entstehen dreidimensionale Hybride zwischen Bild und Objekt. Je nach Position der BetrachterInnen stehen die optischen, haptischen und plastischen Eigenschaften des Bildträgers im Vordergrund, oder die Verfremdung des Inhalts durch manuelle Eingriffe und eine aus dem Webprozess resultierende, grobe Verpixelung. Visuelle und materielle Elemente gehen in der physischen Präsenz der Objekte eine untrennbare Einheit ein. Durch das Experimentieren mit unterschiedlichen Techniken und Formaten werden seine Arbeiten in der weiteren Entwicklung immer plastischer und wachsen unaufhaltsam in den Raum.
Auf Einladung des MUCA Munich, eine Rauminstallation im Münchner KUNSTLABOR 2 zu realisieren, schafft Klug 2021 eine begehbare, immersive Installation aus Fotografien seiner Nacht-Serie. Die tiefblauen, vertikalen Bildstreifen sind so an Wänden und Decke befestigt, dass sich eine wellenartige Struktur über den gesamten Raum zieht, die Assoziationen zu Höhlen, Unterwasserwelten oder Weltraumfotografien evoziert. Seit diesem Sprung weg von der mobilen Wandarbeit und hin zur Gestaltung eines immersiven Raumerlebnisses liegt der Fokus seiner Arbeit auf der Konzeption bild-basierter Installationen. Parallel dazu verwendet er immer häufiger Bildmaterial aus Recherchen zu einem bestimmten Thema. So sind es bei der „Skinny Guys“-Serie von 2023 Bilder von sozialen Medien zu Körpertransformationen, die zum Ausgangspunkt der frei im Raum stehenden Skulpturen werden. Stellt das Schneiden und Tackern der bis zu 40 m langen Bildstreifen eine Analogie zu Techniken der Schönheitschirurgie dar, übersetzt das Mäandern des Bands um einen tragenden Kern die Idee der freien Formbarkeit unserer Körper in eine organisch-plastische Form. Ebenfalls im Netz gefundene, an einem langsam drehenden Gerüst befestigte theatralische Inszenierungen von SUVs vor scheinbar wilder Natur, finden durch das Abschneiden der Luxuskarosserien zu ihrer skulpturalen Form. Die „Befreiung“ der Natur von ihrem Ballast wird in „Schöne Welt“ (2023) zu einem ironischen Kommentar zur Überschwemmung unserer Städte mit immer größeren Fahrzeugen, in dem die kritische Hinterfragung einer an Ur-Instinkte appellierenden Marketingstrategie zum Ausgangspunk der Formfindung wird. In der begehbaren kinetischen Installation „Fuji San“ (2022) ist es der berühmte japanischen Berg, der abgeschnitten und am Boden verteilt nur die zufälligen, klischeehaften und mitunter kitschigen Randmotive der angeeigneten Touristenfotos übrig lässt. Die für die topografisch eher flache Hafenstadt Bremerhaven entworfene Installation lädt zur Begehung des durch die Inversion des Bergmassivs zum schwebenden, sich langsam um die BesucherInnen drehenden Luftraums ein.
Seine jüngste Installationen werden u.a. im Freundeskreis Willy-Brandt-Haus Berlin, dem Photoszene Festival Köln, Artspace Bremerhaven, Feel Festival oder der Schlosskirche Rumpenheim gezeigt. 2019 wird er als „Artist Quarterly“ bei Sotheby's München ausgestellt, 2021 für den „Preis der Nationalgalerie“ nominiert und 2023 mit dem „Rumpenheimer Kunstpreis DIANA“ ausgezeichnet.
Daniel Jones on "Photographic Landscapes" - solo exhibition as part of EMOP Berlin 2020
"As Europe’s cherished club scene slumbers beneath the shroud of COVID, the fragments of what was seep across different mediums as a new expression of old desires. What is left in the reflection of a shattered disco ball? Sebastian Klug’s series ‘Mirage’ weaves a unique narrative, in both the literal and figurative. Through the eye of a by-then glaucomic Nokia 6300, the trained architect captures images of bars and clubs across various cities, a distillation of nightlife unfettered, yet seen through an obsolete technology. One might apply this ancient phone’s low-res camera to the haze of an infinite number of evenings spent amongst darkened rooms thick with the hum and throb of pulsating exuberance and intoxication.
Using an interwoven technique that combines two photographs into a chimaeric sculpture, Klug reconceptualizes the events of one night or several, blurring the boundaries between image and object, as well as artifact and memory. Clear ideas are stripped of context; what you thought you knew has become something entirely different. New patterns emerge in the spaces between, a secret and intimate language born of night. It tells of the illusion that permeates our forays into those dimmed halls of joy—that this is Forever.
In this Blurred New World, the architect's hands are our guide. While the shape of these memories might seem familiar, they travel to phantasmagorical places."
